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        My approach as an artist and teacher are the same 내 학생들에게. 나는 연주자와 학생들이 음악을 만드는 순간에 경험하는 감정과 감각에 대한 동정적인 공감과 음악을 최대한으로 표현하는 데 필요한 인체 공학적이고 실용적인 기술의 균형을 맞추는 것이 중요하다고 믿습니다. 음악의 복잡한 의미를 개념화하고 물리적 움직임을 이론적으로 구상하는 능력은 준비 및 해석 능력 모두에서 필요합니다. 따라서 저는 먼저 자연적인 신체가 해부학적으로 작동하는 방식을 이해한 다음 각각의 특정 동작이 바이올린이나 모든 악기에서 어떻게 사용될 수 있는지 확인해야 한다고 믿습니다. 실습과 교육에서 저는 신체 관절의 다양한 유형과 관련된 신체 움직임과 기본적인 왼손 및 오른손 기술을 연관시킵니다. 모든 다른 움직임 사이에서 유동적인 움직임을 만드는 방법에 대한 대화를 시작하기 전에 상완, 팔뚝, 손목 및 손가락 개인의 역할을 식별하고 분리할 수 있어야 합니다.

 

Brodsky, Castleman, Delay, Flesch, Galamian, Galimir, Milstein, Oistrakh, Ricci, Rostal, Schumsky 스튜디오의 교사를 포함하여 제 바이올린 교육의 음악 혈통의 일부로 저는 테크닉에 대한 많은 교장들이 다음에서 비롯된 것임을 알고 있습니다. "독일어" 접근 방식이지만 더 많은 "프랑스어" 및 "러시아어" 바이올린 연주 학교에서 배우고 실험하는 것을 즐깁니다. 내 자신의 연습, 인터뷰와 대화, 그리고 강의 경험을 통해 나는 우리 자신의 정신, 육체적 감각, 의지 또는 욕망, 감정을 식별하고 대처할 수 있는 것만큼이나 기술적으로 준비하는 것이 똑같이 중요하다는 것을 발견했습니다. 우리는 연주하거나 공연할 때 경험합니다. 저는 불안, 우울증 또는 기타 정신적 문제로 어려움을 겪고 있는 학생들과 연주 기술과 건전한 연주 사고 방식 사이의 격차를 해소하는 데 도움이 될 수 있는 연주를 준비하는 학생들과 함께 철학과 개념을 탐구합니다. 사실 저는 음악을 배우고, 암기하고, 연주를 준비하기 위한 기본 전략을 개발했는데, 이는 저와 제 학생의 연습을 명확히 하는 데 도움이 되는 것 같습니다.

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저는 학생들에게 바로크, 클래식, 현대 음악 시대의 레퍼토리를 사용하여 기술 기반에서 시작하는 경향이 있으며, 개인적으로 레퍼토리가 제공하는 표현의 복잡성과 이를 표현하는 데 필요한 기술적 제어를 좋아하지만 현대 음악과 현대 작곡가를 탐색하고 지원해야 합니다. 음악은 현재의 시간과 공간에 존재하며 끊임없이 발전하고 있으며, 음악을 창조하는 행위는 그 음악을 연주하고, 희망적으로 살고 있는 청중과 공유함으로써 결실을 맺습니다. 저는 학생과 음악 자체를 위한 봉사를 위해 바이올린이나 어쿠스틱 악기가 다양한 장르와 다양한 매체와 협력하여 사용될 수 있다는 것을 보여주는 것이 교사의 의무라고 믿습니다. 살아있는 작곡가들로부터 배우고 함께 일하는 방법과 다음 세대에 선물할 수 있는 안정적인 경력을 제공할 미래 음악가를 위한 새로운 작업을 의뢰하는 방법.

 

제 학생들의 미래에 바이올린 연주가 계속되든 말든, 바이올린을 배우는 데 필요한 제자와 직업 윤리뿐만 아니라 음악을 통해 우리가 배우는 교훈이 아이들이 선택한 삶에 도움이 될 것임을 압니다. 궁극적으로 음악을 해석하는 방법에 대한 교육은 학생들이 자신의 아이디어와 그것을 실현할 수 있는 능력을 믿도록 합니다. 또한, 창의적인 문제 해결 전략과 음악적 및 기술적 결정에 대한 "왜"에 대한 이해는 학생이 선택한 직업에 대한 기반을 제공하고 교육받은 음악 애호가를 사회에 지속적으로 제공할 것입니다. 나는 평생을 함께할 우리 자신과 마찬가지로 악기와 건강한 관계를 구축하기 위해 노력합니다.